Mês: Setembro 2024

Quando falamos em objetos que simbolizam o artesanato brasileiro, a moringa de barro certamente ocupa um lugar de destaque. Este elemento não é apenas um objeto decorativo, ele carrega consigo um legado cultural riquíssimo, sendo uma verdadeira cápsula do tempo que nos transporta a um Brasil de modos rústicos e naturais. Mas o que torna a moringa de barro tão especial assim? Vamos mergulhar nessa tradição e descobrir!

O resgate histórico da moringa

Com uma estética que remete ao Brasil colonial, a moringa de barro com copo não é apenas um recipiente para armazenar água fresca. Ela é um pedaço da nossa memória, um resgate de um tempo onde a simplicidade ditava a funcionalidade. Usada em larga escala, a moringa era a solução encontrada por nossos antepassados para manter a água em temperatura agradável.

O barro como fonte de vida e arte

A moringa de barro é um exemplo primoroso da habilidade dos artesãos brasileiros em transformar uma matéria-prima simples em algo que agrega valor, beleza e utilidade. A argila, moldada e queimada, cria não só uma solução ecológica para armazenamento de líquidos, mas também uma peça de arte que fala muito sobre as mãos que a criaram e a cultura que ela representa.

Funcionalidade além da beleza

Para além de sua identidade cultural, a moringa com copo possui uma funcionalidade admirável. O barro, material poroso, permite que a água mantenha-se fresca, pois sua capacidade de “respirar” induz a evaporação que resfria o líquido no interior. Esse fenômeno, conhecido como resfriamento evaporativo, mostra que a moringa de barro não é apenas encantadora – ela é cientificamente eficiente.

A moringa e as raízes culturais

Não é raro encontrar moringa de barro adornando as casas pelo Brasil, especialmente aquelas que valorizam o retorno às raízes e a decoração com sabor de história. A moringa não é uma peça isolada; ela dialoga com um ambiente que respira brasilidade, remetendo às épocas onde a terra e o fogo eram os principais aliados dos criadores.

Moringa de barro: um ícone sustentável

Em tempos em que a sustentabilidade é cada vez mais essencial, a moringa de barro surge como uma alternativa ecológica poderosa. Optar por uma moringa, em vez de garrafas plásticas, é adotar um conceito ecológico tradicional, além de contribuir para um futuro mais verde e saudável.

Artesanato brasileiro na vida cotidiana

Incorporar a moringa ao seu dia a dia é um lembrete vivo da importância de preservar e valorizar nossas origens e tradições. Cada peça carrega consigo um portal para entender melhor uma cultura, seu povo e seu modo de vida. Ao trazer esse elemento para sua rotina, você está fazendo mais do que uma escolha decorativa; está afirmando uma identidade.

E, você, apreciador das belezas e histórias por trás do artesanato brasileiro, não poderia deixar de conhecer a Loja Paiol. A Paiol é referência em artesanato brasileiro, unindo mestres consagrados, novos artistas e povos indígenas. Com carinho e dedicação, mantemos desde 2007 um catálogo de artesanato que não só representa, mas também celebra a diversidade e riqueza de nosso país. Visite nosso site e encontre a moringa que mais fala ao seu coração e à sua história!

Principal nome da xilogravura brasileira, artista faleceu em julho de 2024

Por: ANGELO MIGUEL | BACURI COMUNICAÇÃO em Mestre J. Borges recebe homenagem em exposição que exalta o movimento armorial – Gazeta da Semana

No dia 5 de setembro, o Shopping Lar Center, primeiro shopping temático de arquitetura e decoração de São Paulo, leva à região norte da cidade a exposição “Ecos Armoriais”, que integrou a edição deste ano da CASACOR, maior evento de arquitetura de interiores das Américas. Celebrando a ancestralidade da cultura popular do sertão, a mostra destaca obras de 25 artistas e designers brasileiros que, de alguma forma, se inspiram em referências do movimento e do cotidiano sertanejo. A entrada para a exposição é livre e gratuita.

Dentre as ações, está prevista uma homenagem ao Mestre J. Borges, falecido em 26 de julho de 2024. Reconhecido por ser o expoente da xilogravura brasileira, ele é tido como um dos responsáveis por levar a estética do sertão para todo o mundo. “O Mestre J Borges foi um dos artistas mais importantes do Brasil e deixou um legado imensurável para a cultura brasileira. Ao lado de outros personagens incríveis como Ariano Suassuna e Gilvan Samico, passou a retratar o cotidiano nordestino com orgulho, considerando as belezas, as mazelas, a explosão de cores, a sonoridade, a poesia e as características locais do sertão.  Por todo seu legado, esta homenagem é mais do que merecida”, afirma Lucas Lassen, curador e diretor criativo da Paiol, que fez a curadoria dessa homenagem.

O público vai poder conhecer um pouco dos temas mais recorrentes em suas obras, como A Passarada, A Professora, Coração na Mão, O Monstro do Sertão, entre outros. “O intuito é dar ao público uma ideia do vasto universo criativo do artista. Ele sempre retratava a beleza da natureza, as profissões, o cotidiano do povo, as histórias contadas nos cordéis e o seu universo mágico. Será também uma grande oportunidade para o público, pois as obras expostas estarão à venda e através do QrCode poderão ser adquiridas e entregues ao final da homenagem”, complementa Lassen.

Com trabalhos de Mestre Joaquim de Tracunhaém,  Leonildo da Silva, Alcione Freitas e outros artistas influenciados pela estética armorial, um dos destaques fica para Bacaro Borges, filho caçula do artista, que criou uma xilogravura exclusiva e numerada retratando o encontro no céu de J. Borges com o escritor, dramaturgo e idealizador do movimento, Ariano Suassuna. 

Sucesso na CASACOR, exposição poderá ser visitada gratuitamente

Com curadoria de Pedro Ariel Santana e Rodrigo Ambrósio, a “Ecos Armoriais” reúne uma seleção de obras que refletem a pluralidade cultural do Nordeste, oferecendo aos visitantes um mergulho em um universo vibrante de cores, formas e narrativas. “Nesta mostra, buscamos oferecer um recorte atual da região, apresentando 25 artistas vivos e em atividade que trazem diferentes técnicas e manifestações visuais em suas artes. Desde peças de design e pintura em parede até xilogravuras e poemas. Quando fizemos a curadoria da exposição, nossa premissa era refletir a riqueza da tradição armorial com uma visão contemporânea do sertão nordestino”, afirma Pedro.

A iniciativa está diretamente ligada ao novo momento do Shopping de se unir a parceiros do mundo da arte, gastronomia, arquitetura e design, e proporcionar experiências memoráveis aos seus visitantes. Guilherme Marini, diretor executivo do Shopping Center Norte e Lar Center, comenta: “Estamos muito entusiasmados com a abertura da exposição ‘Ecos Armoriais’ no nosso Hub de Artes. Esta exposição é um marco importante em nosso compromisso com a descentralização da arte e a oferta de experiências culturais completas. Com entrada gratuita, esperamos que todos tenham a oportunidade de se conectar com a rica herança cultural do Nordeste brasileiro.”

O Movimento

Surgido no Recife em 1970, o movimento armorial desempenhou um papel fundamental na solidificação da imagem do Nordeste na cultura nacional. Sob a liderança de Ariano Suassuna, o movimento uniu artistas e intelectuais de diversas disciplinas em torno da ideia de uma arte erudita enraizada nas tradições brasileiras, tendo o folheto da literatura de cordel como elemento central.  A mostra fica em cartaz até o dia 29 de setembro com entrada gratuita.

Serviço

Exposição Ecos Armoriais

Abertura: 5 de setembro, quinta-feira, às 17h

Visitação: 5 a 29 de setembro, das 10h às 22h | Entrada gratuita

Informações: https://www.larcenter.com.br/

A artesã, uma das principais referências do Vale do Jequitinhonha, tem suas técnicas e criações celebradas pelos sobrinhos Adriano e José Nilo

Por Redação Casa e Jardim

04/09/2024 06h48  Atualizado há 2 dias

Noemisa Batista do Santos foi a responsável por uma das trajetórias mais eloquentes da arte popular brasileira. Falecida em abril de 2024, aos 77 anos, a artesã é reconhecida por sua originalidade e pela capacidade de contar histórias a partir do barro.

Considerada pioneira em algumas das temáticas da região, tornou-se uma das principais referências do Vale do Jequitinhonha, região em Minas Gerais – berço da cerâmica artística e utilitária brasileira. Natural da cidade mineira de Caraí, Noemisa vivia e produzia as suas peças na região do Córrego de Ribeirão da Capivara.

“O trabalho dela é de uma expressividade tão forte sobre Caraí, sendo possível afirmar que não existiria a arte do município como a conhecemos hoje se não fosse pela Noemisa. Usando o barro, ela se tornou uma espécie de cronista, retratando o trivial e transformando a simplicidade do cotidiano em obras de arte”, revela o curador de arte popular Lucas Lassen, diretor da Paiol, marca que atua com artesanato popular brasileiro.

Noemisa começou a modelar o barro ainda criança, quando acompanhava a mãe ceramista na confecção de peças que serviam para complementar a renda da família. Ela fazia pequenos brinquedos e o seu trabalho diferenciado começou a se destacar entre os artesãos locais.

“Sem uma preocupação muito grande com a função do objeto, ela passou a retratar o cotidiano do vale, trazendo animais, pessoas e cenas específicas ligadas às celebrações populares, como casamentos e batizados, além de peças com contexto religiosos, como igrejas e presépios. Como tinha a ludicidade muito aflorada, também representava contos antigos”, conta Lucas.

A delicadeza da obra de Noemisa a levou a inúmeras mostras pelo Brasil e todo o mundo. Em 1987, suas esculturas integraram a exposição Brésil, Arts Populaires, no Grand Palais, em Paris. Já em 2000, algumas peças fizeram parte da Mostra do Redescobrimento, da Fundação Bienal de São Paulo.

Além disso, a sua arte está no acervo permanente do Museu de Folclore Edison Carneiro (RJ), no Museu da Casa do Pontal – Coleção de Jacques van de Beuque (RJ) e no Museu de Arte Popular Brasileira do Centro Cultural de São Francisco, em João Pessoa (PB).

Como ela nunca se casou nem teve filhos, coube a seus dois sobrinhos levar o seu legado adiante. Hoje com 46 anos, José Nilo Francisco do Santos, filho do irmão de Noemisa, começou no mundo das artes aos 10 anos.

“Na nossa família, a cerâmica chegou muito antes da tia Noemisa, mas foi com ela que fui aprendendo a partir da observação. Depois, comecei a arriscar fazendo uma coisinha aqui e outra ali, até que ela foi nos ensinando as técnicas”, revela José, que também é lavrador.

Adriano Rosa do Santos, de 44 anos, também tem seguido os passos da tia na cerâmica, profissão que divide com a de lavrador, como o primo. Como uma homenagem à trajetória de Noemisa, os dois sobrinhos tiveram algumas de suas peças apresentadas pela Paiol no 18º Salão de Artesanato em São Paulo, que aconteceu no final de agosto.

Quando abordamos o tema do artesanato indígena, estamos nos deliciando em um mar de símbolos e significados que transcendem simples adornos ou objetos de decoração. 

Cada peça carrega em si a essência de um povo, suas crenças, sua conexão com a natureza e sua narrativa histórica ancestral.

A arte dos acessórios indígenas

Os acessórios indígenas são, talvez, a mais visível expressão dessa rica cultura. Cada colar, cada pulseira indígena, cada brinco, criados a partir de materiais retirados do seio da terra, falam sobre a identidade de quem os usa. 

O uso de sementes, madeiras, pedras e fibras não é aleatório; para os povos originários, estes são elementos cheios de vida e poder.

Uma simples pulseira indígena, por exemplo, pode revelar a tribo do artesão, os mitos do seu povo, ou mesmo servir como proteção espiritual ao portador. Em uma era de consciência globalizada, escolher um acessório indígena vai além do estético – é uma forma de respeitar e propagar a importância da diversidade cultural.

O mistério dos totens

Em se tratando de artesanato representativo, poucas peças são tão icônicas quanto o totem indígena. Além de objeto decorativo, o totem é carregado de simbolismo. 

Retratando animais, elementos da natureza ou antepassados, o totem é um registro sagrado das histórias e dos ensinamentos do povo que o esculpiu. Ele é um eixo que une o céu à terra, o espiritual ao material, o passado ao presente.

Em cada figura, cada curva e cada cor do totem indígena, há um capítulo da sabedoria milenar desses povos. É o artesanato narrando uma história que resiste ao tempo, presenteando-nos com conhecimentos que são verdadeiras heranças da humanidade.

Conexão cultural através do artesanato

O fascínio pelo artesanato indígena colocou no mapa criativos que se dedicam a perpetuar e divulgar essa arte única. 

A arte indígena brasileira é um patrimônio imaterial que, felizmente, tem encontrado espaço em diferentes esferas sociais, permitindo que mais pessoas se conectem com a ancestralidade e a sabedoria desses povos.

Seja pela vivacidade de seus tecidos, pela unicidade de suas pinturas ou pela profunda espiritualidade de seus adornos, o artesanato indígena é uma demonstração de resistência cultural. É um convite para fazermos parte de um legado enriquecedor, aprendendo e divulgando a importância deste trabalho meticuloso e cheio de significado.

No contexto atual, essas peças também reforçam a importância da sustentabilidade. A valorização dos materiais naturais e o respeito ao meio ambiente estão no cerne da criação indígena, pontuando uma lição essencial para o presente e o futuro de nossa relação com o planeta.

A arte que une povos

Em cada ponto, trama, ou escultura, há uma intercessão de mundos, a comunhão de tempos distintos e a celebração da vida. Não se trata apenas de possuir um objeto decorativo, mas de ter parte em uma cosmovisão rica e eterna.

Neste espírito de comunhão e troca, convidamos vocês para visitarem o site da loja Paiol, onde juntamos o trabalho de mestres consagrados, novos artistas e povos indígenas. 

Desde 2007, a Paiol segue como referência em artesanato brasileiro representativo, unindo tradição, modernidade e os valores que nos fazem genuinamente humanos. Venham descobrir, apreciar e levar para casa uma parte inestimável da cultura e história do nosso país.

Ju Amorim faz parte da nova geração de empresários que transformaram o edifício, que antes abrigava agências de turismo e restaurantes, em um polo de arte, design e decoração

Mariana Missiaggia,
02/Set/2024 em: Diário do Comércio (dcomercio.com.br)

Dos muitos movimentos de revitalização que acontecem no Centro de São Paulo, alguns já estão consolidados e deram novo fôlego à região. Na República, a Praça Dom José Gaspar vive há algum tempo essa retomada com os festivais e a programação da Biblioteca Mário de Andrade, novos negócios, como o bar Gaspar, e todo o vigor da Galeria Metrópole.

Entre peças assinadas por designers, lojas de vinho, restaurantes regionais e livrarias, a Metrópole ganhou um novo público nos últimos dois anos e passou a ser frequentada por gente jovem e descolada, após enfrentar uma série de fechamentos acentuada pela pandemia.

Vivendo uma nova fase e com mais de 80% das lojas ocupadas, o endereço é agora reconhecido como polo de arte, design e decoração, além de contar com boas opções gastronômicas, que fogem do tradicional, como o Gatcha Cafe.

Juliana Amorim é uma das responsáveis por ter dado essa perspectiva mais contemporânea à Galeria. Em 2021, quando o edifício apresentava uma desocupação considerável, a designer apostou em um ambiente colorido, com placas neon e cheiro de incenso, para vender seus vasos, bancos e outros objetos pintados à mão.

Apaixonada pelo Centro, Juliana começou sua marca – a Ju Amora – no bairro de Perdizes, mas sempre esteve atenta a oportunidades na região da Galeria Metrópole. Durante a pandemia, o cenário de abandono, as muitas lojas fechadas e a pouca circulação de pessoas não pareciam favoráveis à abertura de um novo negócio.

Mesmo assim, atraída por valores de locação menores, pelo potencial de uma arquitetura inspiradora e o rico patrimônio modernista daquela região, decidiu apostar na vocação criativa do Centro.

“Me atraí por essa veia cultural e por admirar outros negócios que têm tudo a ver com o que o Centro transmite. Aqui no Centro fazemos conexões com diferentes mundos e ampliamos o acesso para as pessoas conhecerem melhor o que é produzido na cidade”, diz. 

Na mesma leva, o designer de mobiliário Bruno Niz abriu as portas do Estúdio Niz, que vende mobiliário de perfil minimalista. Ao lado de Juliana e outros empreendedores, Bruno movimenta uma série de iniciativas, como a feira Jardim Secreto, que ocorre mensalmente no prédio. O intuito é dar maior visibilidade à galeria e requalificar seu entorno como espaço cultural e de conexão com quem passa por ali.

Um ideal comum entre os que empreendem na área, como Paulo Alves, designer que ocupa a Galeria Zarvos, logo à frente da Metrópole, e que há anos se empenha em atrair colegas para o Centro. É de Paulo, por exemplo, a iniciativa de colocar a Design Week DW! em espaços do Copan e das galerias Zarvos e Metrópoles, assim como outras exposições e eventos sobre arquitetura, arte e urbanismo.

Lucas Lassen é outro empresário que foi seduzido pelo endereço. Há pouco mais de um ano, ele escolheu a Metrópole para abrir a terceira unidade da Paiol, sua loja de artesanato brasileiro inaugurada há 15 anos e que tenta desmistificar a ideia de que esse tipo de arte é elitizado. Lucas mantém a sua unidade principal na rua Fradique Coutinho, em Pinheiros, além de outra loja no shopping Center 3, na avenida Paulista. 

ÍCONE MODERNISTA

Projetada entre os anos 1950 e 1960 por Gian Carlo Gasperini e Salvador Candia, a Galeria Metrópole é um ícone da arquitetura modernista e por anos foi reduto da elite paulistana. A arquitetura do edifício foi pensada para permitir a continuidade da rua para o interior do prédio, numa espécie de convite ao pedestre, atuando como extensão da praça Dom José Gaspar.

Publicações da época destacavam o caráter inovador do edifício comercial, que oferecia um espaço interno que é continuação do externo, além de algo inédito para os padrões da época – um funcionamento vertical baseado em 14 escadas rolantes. Atributos que o colocam como precursor de muitos dos atuais shopping centers da cidade.

Entretanto, de centro comercial de luxo nos anos 1960, a Metrópole passou por um declínio a partir do final da década de 1970, quando suas lojas padronizadas deixaram de ser competitivas frente a um mercado que já demonstrava certa diferenciação. O aumento da violência na região e a criação de novos bairros de luxo também contribuíram para o esvaziamento da galeria.

Na década de 1980, com a revitalização da Praça Dom José Gaspar, o complexo ganhou algum fôlego e passou a abrigar muitas agências de turismo, lojas de conserto, restaurantes no térreo e uma casa noturna. O local ainda era muito frequentado, especialmente, por quem trabalhava na região e o utilizava como praça de alimentação na hora do almoço.

Até que vieram os anos de pandemia e, com eles, o fechamento de muitos espaços comerciais, fazendo o complexo ganhar aspecto de um lugar abandonado.

ECONOMIA CRIATIVA EM ALTA

Cercado por prédios históricos e com boa localização, restam poucas unidades disponíveis para lojistas na Galeria Metrópole, em divisões de cerca de 50 metros quadrados e alugueis, em média, de R$ 3,5 mil.

Editoras e livrarias também encontraram espaço para operar na Metrópole, com uma seleção de livros que agrada ao público principal que habita por lá – arquitetos, fotógrafos, designers e interessados em arte em geral. A IP Livros Usados é uma das que funciona no local com uma seleção de livros sobre os assuntos favoritos desse público.

Há pouco mais de um ano, a Sobinfluencia Edições funciona como livraria e também um espaço de encontros de formação política, movimentos autônomos e arte independente. A loja mais nova no local é do Instituto Socioambiental (ISA), organização que defende os direitos dos povos indígenas e exibe uma seleção de cerâmicas, cestarias e acessórios produzidos por diversas etnias.

Não muito longe dali, o movimento de resgate da Metrópole parece se repetir no Condomínio Edifício e Galeria Califórnia, que interliga a rua Barão de Itapetininga com a Praça Dom José de Barros, projetado pelos arquitetos Oscar Niemeyer e Carlos Lemos.

Assim como a Metrópole, o condomínio também experimenta uma radical mudança no perfil de seus ocupantes. Tradicionais no local, os escritórios de advocacia passaram a dividir espaço com lojas de artesanato e estúdios de artistas visuais que se transferiram para lá.

A arquitetura, o tamanho generoso dos apartamentos e até a luminosidade da região fazem com que o endereço se adapte perfeitamente às atividades dos vinte ateliês que hoje atendem no local.

IMAGENS: divulgação